Una directora en "Crudo"

Es domingo. Son las ocho de la noche y en la bodega del Auditórium los asistentes preparan las cosas para que, en dos horas y media, se de comienzo a una obra fuera de toda clasificación. No hay un límite entre el escenario y las butacas. Hay una pantalla gigante, una cinta de gimnasio, un perchero colmado de ropa y una computadora. "Crudo" camina por la cuerda de lo original, lo sensible y lo cómico. Su protagonista, José Maria Muscari, advierte en los carteles publicitarios que no es ficción ni realidad. Entre la multitud se ve a la directora de la obra, Mariela Asencio llegando al teatro. A pesar de la constante amenaza del reloj, accede a dialogar unos minutos.

¿Cómo surgió “Crudo”?
- Todo comenzó porque José Maria Muscari tenía ganas de actuar en un unipersonal y tenía unas reflexiones escritas de diferentes temas. Entonces me propuso si yo quería dirigirlo. A mi lo que me interesaba, también era escribir. Me gusta dirigir cuando participo de la dramaturgia. Entonces, el me dio sus reflexiones, a partir de esos temas yo empecé a armar, agregar y cambiar cosas. Desde ese momento, comencé a tramar como hacer una obra a partir de sus ideas. O sea, a partir de sus escritos armé el dispositivo de lo que se ve en Crudo. Todos los temas tocados en la obra se dividen en capítulos. Fue un proceso bastante intenso. Eso me resulta divertido de la obra, que el hable en primera persona de cosas que a él le pasaban pero que yo también pienso.

Algo que me resultó interesante fue cuando comencé a armar Crudo y sentí esa necesidad que se comunique con sus padres. Era una instancia por la que la obra tenía que pasar. Al principio resulto raro, pero después se fue naturalizando. También se me ocurrió el ir a filmar a sus padres, porque creía como la obra tiene que ver con su familia. El video dura ocho minutos, pero el master era de horas. Fue super interesante.

¿Cómo es trabajar con Muscari?
- Muy bien, muy normal. En si porque se entregó y confió mucho a lo que yo le propuse. O sea, no hubo que lidiar, el siempre estuvo muy abierto a mis ideas. Lo increíble es como dejó por un momento la dirección para probar la actuación y como logró dejarse llevar. Lo bueno es que también propone su mirada y aporta su mundo interior. Resulta fácil trabajar con personas como él, que pueden entregarse de lleno. La amistad que yo tengo con José Maria también facilita el trabajo de dirigir Crudo porque yo lo conozco, se como piensa y como reaccionaría.

¿Resulta difícil dirigir a un director?
- Depende de cada persona. Muchas veces hay actores que no son directores, pero que son difíciles de dirigir. Lo que muchas veces pasa es que cuando tenes un “training” como director, resulta muy difícil pasar a otra cosa. Me encanta dirigir y más, cuando uno trabaja con actores que están dispuestos a llevar a cabo tus propuestas, resulta gratificante. Hace años que con Muscari trabajamos juntos, y esta es la primera vez que lo dirijo. Nos va muy bien trabajando juntos, porque tenemos una visión operativa muy parecida, somos muy concretos y obsesivos.

¿Cómo se logró el equilibrio escénico en un espacio que no es utilizado de forma corriente?
- En realidad la obra tiene mucho que ver con una búsqueda que hago en todas mis obras. Es una huella que dejo. Tiene que ver con encontrar momentos de intimidad o actividades cotidianas, ese aspecto de show histriónico hacia afuera. Es ver como aquello intrascendente se transforma en algo para que todos vean. A mí me interesaba trabajar sobre la idea musical y audiovisual, y en Crudo aparece una compensación entre todos esos lenguajes. Mi fin era lograr una obra íntima sin perder la idea de show.

¿Han recibido quejas sobre alguno de los temas tratados en la obra?
- Lo raro que sucede con Crudo es que la gente en vez de ponerse en contra de lo que se está diciendo, se siente cómplice de lo que pasa en escena. El público siente la obra como propia. La gente se refleja en cómo uno se relaciona con su propia vida, su realidad, su familia y con su cuerpo. El público se conecta de un modo muy sensible con la obra se sienten cómplices de ese ser que esta exponiéndose.

Crudo es tan íntimo y sensible que no da lugar al enojo. Es una obra del aquí y ahora. Es una gran partitura, en donde nada está librado al azar, pero a la vez tiene tanto que ver con el tiempo presente que provoca modificación. Puede darse que un día no te ande Internet, que no se pueda hacer el llamado a la madre o que algo que le haya dicho su mamá le haya modificado en algo. Todo esto hace que sea una obra muy viva, muy real.

¿Qué te motivó a traer a Crudo?
- En principio, por la propuesta del Auditórium y, además, “La Bodega” es un espacio de expresión muy bueno. Crudo es una obra relativamente fácil de mover, por su estructura. Somos un equipo que ha viajado mucho por distintas ciudades del país, lo que nos dio mucho training. También nos interesaba que otro tipo de público nos venga a ver, y realmente nos está yendo muy bien.

Profundizando sobre uno de los temas tratados en la obra, ¿cuál es tu opinión sobre la adopción en parejas homosexuales?
- A mi me parece que la sexualidad es una elección privada de cada persona y no tiene nada que ver con que personas del mismo sexo quieran tener un hijo; me parece bien que lo tengan, no me parece que tenga que haber una restricción. Tampoco creo que al chico le vaya a hacer mal vivir con una pareja del mismo sexo. El planteo que un niño no esté bien en ese tipo de hogar, me parece que es una muletilla para evitar hacerse cargo de una postura discriminatoria. No es absurdo pensar que dos personas pueden dar amor a otro individuo. Es tener una mente cerrada, que tiene miedo a lo diferente.

El amor es el amor en todos los casos. Al adoptar, lo que realmente importa es que dos personas sean capaces de dar amor y tengan las ganas, el tiempo, los medios y la predisposición para brindarle a ese niño una mejor vida. Creo que todas las personas que se aman tienen derecho a construir su vida como quieran. Además, hay que tener en cuenta que los niños de padres de un mismo sexo son tan iguales como cualquier chico criado en una familia heterosexual.

¿Proyectos para el 2009?
En Buenos Aires estoy con Mujeres en el baño que se está presentando en el teatro Picadilly todos los viernes y sábados.

Estoy terminando de escribir Mujeres en el aire que forma parte de trilogía llamada Mujeres en 3D (Mujeres en el baño, Mujeres en el aire y Mujeres en ningún lugar).

Candela Castillo.

Música celta y rioplatense

En Mar del Plata, donde confluyen diversos géneros musicales, visitamos distintos escenarios para poder equiparar e interpretar la música que muchas veces es olvidada o elegida, solo por algunos. Ambos estilos musicales trascienden, provocando sentimientos que acompañan un estilo de vida. Fue así como llegamos a la música celta de “Avalon Land” y los sonidos rioplatenses de “Tango Furia”, de la mano de Emmanuel Marín. En reuniones interesantes nos decían como sus variaciones musicales los hacen únicos.

¿Qué tipos de sonidos caracteriza a Avalon Land?
-La esencia del grupo es transmitir el legado musical de los pueblos celtas, respetando este género, pero a la vez recreándolo con composiciones propias. Tomamos las modalides musicales celtas, el tipo de expresión, siempre respetamos la base y sobre eso hacemos ajustes propios. Muchos temas que son tradicionales los transmitimos tal como son. Básicamente, estamos centrados en transmitir una ideología espiritual.

¿Cómo aprendieron y de donde surge la idea de hacer música celta?
Mis abuelos, mis bisabuelos… son todos celtas, de origen gallego. Por lo tanto fui criada en ese ámbito y aprendí mucho de lo que ellos transmiten. A esto se le suma todo lo investigado y experimentado. En muchos viajes pudimos rescatar y aprender lo que hoy conforma Avalon.

¿Qué intententa transmitir y recrear la música celta?
-Busca, por sobre todas las cosas, transmitir la esencia de los pueblos celtas, dado que es una cultura previa a la construcción de las pirámides de Egipto. Dicha cultura se transmite de boca en boca por medio de las mujeres. Siempre se mantiene la base de la vida comunitaria en relación a la naturaleza y la cosmogonía, haciendo al hombre parte de la inmensidad que nos rodea. No pretendemos seducir, sino impactar.

¿Tratan de que la gente que los escucha se involucre con la música?
-En realidad no hacemos ningún esfuerzo para que se involucren. Eso sucede solo. Esta música tiene lenguaje propio. No utilizamos ningún tipo de modificador de sonidos, no hay aparatología, no hay trampas, no hay seducción artificial. Cada persona que se interesa es un mundo propio y percibe el sonido de la manera que quiere. Sucede también que, con este tipo de género musical, donde hay un lenguaje muy simple y llano, las personas se terminan involucrando y canalizando el sonido hacia un lugar individual.

Tenemos un público muy variado, hay gente joven, niños y abuelos. En general buscan cosas nuevas y están agotados de géneros ya sin variación musical. En nuestros conciertos siempre vas a encontrar diversidad. Nos motiva a seguir la música, el amor por lo que hacemos, el respeto y, sobretodo, la necesidad de expresarnos.

¿En Mar del Plata, hay muchas agrupaciones?
-Que yo sepa hay cuatro. La más antigua es Avalon, luego yo creé otra agrupación. Es de carácter femenino, un dúo. Tiene un perfil más dulce, porque el instrumento utilizado es un arpa, lo que genera música más celestial. También hay otra formación que hace Folk-Celta, que salió del centro Gallego de Mar del Plata.

La furia del Tango

¿Cómo surge en vos bailar tango?
-En realidad, yo arranco a bailar tango a los 8 años, por una inquietud más hacia el folklore. Todo surge cuando fui con mi mamá a ver a Maximiliano Guerra, quedé tan impresionado que le pregunté a ella si yo también podía bailar. De ahí, me anoté en La Escuela Municipal de Danza, donde bailaba folklore y danza clásica. Una noche mi mamá quería incursionar en el tango y la acompañé a la clase, pero siempre como espectador. Resulta que en esa clase, había una nena de 8 o 9 años bailando y, cuando el profesor me ve, enseguida me tomó del brazo y me puso a bailar. Y, al final, mi mamá terminó pagándome a mí. Entonces, sin querer, arranque.

¿En qué te inspiras al bailar?
-Los recursos en los cuales me baso para bailar son varios, primero me dejo llevar por la música, los sentimientos y la emoción. Después en el armado de alguna coreografía, siempre vas buscando una temática distinta para desarrollar dentro del baile. Pero básicamente, la expresión se basa en lo que me hace sentir la música.

El aprendizaje del tango es muy solicitado. ¿Por qué se produce este fenómeno con un género que era olvidado?
-Hoy por hoy está comprobado que el tango tiene muchos beneficios, tanto terapéuticos como psicológicos. Hay mucha gente que hace tango por terapia, o por salud. Después está la gente joven, que si bien se acercan de a poco, hay nuevas tendencias que hacen que se incorporen y se involucren cada vez más. A todos, en algún momento, el tango les llega. También hay mucha gente grande que lo tiene como una materia pendiente y lo hace ahora.

Tu espectáculo, “Tango Furia”, donde recibiste varios reconocimientos, ¿sentís que te hace crecer como artista?
-Yo creo que “Tango Furia” es un capricho. Siempre tuve ganas de tener mi propia compañía, con varias parejas y hacer un espectáculo, donde se muestre la sensibilidad y la pasión que nos motiva a bailar. No tenemos una orquesta para que justamente sea protagonista el tango; solo en un tema hay un cantante que nos acompaña. Después, es todo baile desde el comienzo hasta el fin, 1:20 bailar sin parar. Surge también como una necesidad, de mostrar todo desde la danza. La idea es mostrar el espectáculo y seguir creciendo como compañía.

¿Cómo es el contacto con el público arriba del escenario?
-Es algo mágico el teatro, en realidad es como si estuvieses dentro de un televisor. Vos bailas y todos te miran. Pero creo que el mayor contacto con el público lo tenés en el aplauso final. También, muchas veces, la gente te espera fuera del teatro y te agradece, te saluda. Con este sentimiento yo me siento realizado creo que la felicidad que me trasmiten es suficiente.

¿Dentro del género podes innovar?
El género es interminable, podes innovar todos los días. El tango te da la posibilidad de combinar movientos, hacer nuevos pasos, nuevas figuras. Se puede también entrelazar con otras danzas, como el jazz, el contemporáneo, el clásico. Esto hace que la danza evolucione y que no termine jamás. Todos los días se aprenden cosas nuevas, depende de uno.

Silvina Rodríguez.

Vivir en OFF

En una temporada donde sobresalen los espectáculos con “marquesinas doradas”, el teatro independiente no baja los brazos. Según Zicka y El club del Monólogo son parte de una lucha cotidiana en el afán de mostrar al público nuevas alternativas escénicas. A pesar de sus discrepancias, el Teatro Off tiene como fin llegar a la gente con un mensaje desestructurante.

Yanina Ispizua, actriz de El Club del Monólogo, dijo: “Nuestro ideal es una sociedad que piense, que busque y que progrese. Es una experiencia muy enriquecedora poder decir lo que pensás y hacer lo que te gusta, todo al mismo tiempo”. En ese eje, el Director de la obra Según Zicka, Mario Carneglia, comentó: “El teatro independiente es a pulmón. Se necesita corazón, coraje, talento y hasta un poco de inteligencia y "viveza" para generar los recursos necesarios, para existir y realizar los proyectos que uno tiene en mente, sin caer en la excusa de ‘no se puede porque no hay plata’. Puede no haber dinero, pero no es excusa para renunciar a la calidad bajo ese pretexto”.

En el avance de la entrevista, la opinión de Carneglia -respecto al tipo de teatro que realiza-, se aclaró. “En el teatro independiente se hacen las mejores y las peores cosas. Coexisten obras donde se nota la falta de ingenio para resolver problemas técnicos, la falta de recursos pero, a su vez, tienen una gran energía vital y mucha llegada a la gente. También existe otra rama que expulsa al público ‘común’ de las salas: es el teatro de los soberbios. Estos hacen obras pretenciosas, intelectuales y herméticas. Una de las grandes ventajas en este teatro es que los ensayos no tienen apuro, se puede arriesgar e improvisar. Hay que tener en cuenta que una idea menor, se puede convertir en una situación fascinante y, quizás, por un momento, a ese público le cambie o provoque una sensación nueva. Es a lo más alto que podemos aspirar los que estamos en este teatro a pulmón”. Según Zicka es una ficción que se atreve a jugar con la mente del público. Se plantea la idea de un Evangelio escrito por mujeres y todos los problemas que padecen por formar parte de un “mundo machista”. Mario confesó que dirigir Según Zicka es un placer desde la creación hasta la puesta en escena y, aún más, ver la reacción de la gente permitiendo pensar que salió como se imaginaba.

Por su lado, Yanina Ispizua, mostró su visón sobre el Teatro Off y, desde una mirada sincera, confesó que cuando se forma parte de la movida independiente, se debe remar mucho. Existe un continuo desprecio hacia lo nuevo y lo diferente y a la gente le aterra ‘clavarse’ una obra donde no hay demasiada referencia mediática. Respecto a esto último, sentenció: “Con el grupo de teatro buscamos la forma de atraer a la gente, pero sin la ayuda de los medios se torna difícil. Se suele dejar de lado a todos aquellos que se interesan en mostrar lo que más les gusta hacer, que es actuar”. En El club del Monologo ocho excéntricos personajes relatan sus desventuras. Una obra que se clasifica en “humor absurdo” hecho por jóvenes: “se suele tomar a los jóvenes como vagos e irresponsables. Pero no saben que ¡sí!, quieren trabajar por un país con cultura”.

• “Según Zicka”, El Club del Teatro (Rivadavia 3422) Sábado 22 hs
• “El club del Monologo”, Teatro Independencia (Independencia 3462) miércoles y Sábados a las 22:30 hs

C. Castillo - S. Rodriguez

Mar del Plata de Película

La vigésimo tercera edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata se realizó del 6 al 16 de Noviembre en los diferentes cines de la ciudad. El evento anual está calificado por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores de Films (FIAPF) como categoría “A”. Esta valoración lo hace único en América Latina.

Habría que remontarse allá por el 1954 cuando la Subsecretaría de Información de la Presidencia de la Nación realizó la Primera Muestra Cinematográfica en Mar del Plata. En ese evento se exhibieron films internacionales como: “Pan, amor y fantasía” de Vittorio de Sica (Italia), “La ilusión viaja en tranvía” de Luís Buñuel (México), “The Glenn Miller Story” y “Música y lágrimas” de Anthony Mann (USA).

Cinco años más tarde, la muestra que generó gran interés se concretó en un festival de categoría “A”. Desde entonces, se realizaron hasta 1970 diez ediciones. Una de ellas, la del año 1964, en la ciudad de Buenos Aires y luego, en 1967 y 1969, se alternó con el Festival de Río de Janeiro. Luego, por diversas razones, se debió suspender hasta 1996 cuando se dio inicio a la segunda etapa de los certámenes de cine en Mar del Plata.

La película que inauguró el festival fue “Aniceto”, film nacional de 82 minutos que trata sobre desencuentros amorosos alrededor de un criador de gallos de peleas, cuyo director es Leonardo Favio. Luego, se dio cita a la apertura con la película de los Estados Unidos, “El casillero del dolor”, de la directora Kathryn Bigelow. El film cuenta la historia de un escuadrón de batalla en la guerra de Irak y plantea la pregunta: Si la guerra es un infierno, ¿por qué será que existen hombres que, como él - hace referencia al personaje principal -, eligen pelear?

Por otro lado, fueron tres la cantidad de competencias en largometrajes: La Internacional en la que participaron 16 películas, la Latinoamericana integrada por 10 films y la Argentina en la que fueron partícipes 9 largometrajes. En lo que respecta a los cortometrajes hubo dos competencias: La internacional integrada por 23 mini films y la competencia latinoamericana en la que participaron 17 cortometrajes.

En la competencia internacional, el Jurado integrado por Israel Adrián Caetano, Peter Lilienthal, Pedro Olea, Sarah Polley, David Oubiña, y Yu Lik-wai, otorgó los siguientes premios: ASTOR DE ORO al Mejor Largometraje: Still Walking, de Hirokazu Kore-eda (Japón), ASTOR DE PLATA al Mejor Director: Kiyoshi Kurosawa, por el film Tokyo Sonata (Japón), ASTOR DE PLATA a la Mejor Actriz: Isabelle Huppert por el film Home, de Ursula Meier (Suiza / Francia / Bélgica), ASTOR DE PLATA al Mejor Actor: Ulrich Thomsen por el film Fear Me Not, de Kristian Levring (Dinamarca), ASTOR DE PLATA al Mejor Guión: Kristian Levring y Anders Thomas Jensen por el film Fear Me Not (Dinamarca)

En la competencia latinoamericana, el jurado reconoció como Mejor Película a Los bastardos, de Amat Escalante (México) y otorgó una Mención Especial a Regreso a Fortín Olmos, de Patricio Coll y Jorge Goldenberg (Argentina). Los dos ganadores de la competencia argentina fueron: Parador Retiro, de Jorge Leandro Colás y Diletante, de Kris Niklison.

Por otro lado, entre las seis subsecciones se destacaron: “Mundo en Progreso” integrada por 12 films, “Rescate” con 16 películas y “Panorama” con 21 subdivisiones como: “Biografías”, “Cine y Surf”, “Cine y Música”, Americana: Nuevo cine independiente de los Estados Unidos, entre otros.

José Martínez Suárez, Presidente del Festival, se mostró satisfecho con la participación del público y la ciudad recibió de manera adecuada al gran contingente de extranjeros que participaron directa o indirectamente del evento.

Festival de Publicidades del Interior

El lunes 27 de octubre se llevó a cabo el “Festival Publicitario del Interior”, que tiene como objetivo valorizar, destacar y promover el sector de la comunicación que compete a la publicidad en todas sus formas. El único requerimiento de los participantes era que la publicidad haya sido planificada, creada y difundida por profesionales radicados en todo el territorio nacional, con excepción de Capital Federal y Gran Buenos Aires.

Se tiene en cuenta, a la hora de evaluar, la creatividad, la innovación, la producción, la adecuación a los objetivos predeterminados y los resultados obtenidos; también en las expresiones de la cultura, el conocimiento y la educación. Luego de una proyección de publicidades muy intrigantes e innovadoras, Manuel Trobat (Director de Producción) y Marcos Francini (Coordinador de Producción) nos comentaban sobre el festival.

¿Cuándo surge el proyecto?
El proyecto surgió hace 2 años, en agosto de 2006. Primero se realizó en Rosario, luego en Córdoba.

¿Lograron una evolución con respecto a las expectativas previas?
Sí, desde ya. Al principio eran muy pocos los participantes, ahora contamos con más de 600 inscripciones. El crecimiento que obtuvimos fue de más de un 20 %. Lo que nosotros buscamos es profesionalizar la actividad, es decir, que los publicitarios se despierten y promuevan sus logros.

¿Está bien difundido este proyecto?
En realidad no. Es una cosa muy importante lo que proponemos y tendría que haber mucha más difusión culturalmente. Esperamos más profesionales locales. Es extraño, porque el año pasado estuvimos en una conferencia que se realizó en la Universidad CAECE y contamos con la presencia de 300 personas… lo que esperábamos era que participaran o concurrieran al festival.

¿La publicidad se encuentra opacada en el interior del país?
Sí, se tiene muy en cuenta Capital y no dejan que nosotros crezcamos como publicitarios. Lo que tratamos es que las ciudades se despierten y valoren a sus emprendimientos.

¿Cuándo se vuelve a realizar?
Tenemos fecha en Septiembre de 2009, nuevamente a realizarse en Mar del Plata. Para participar del FePI pueden comunicarse al 0341-4398840 o vía mail: info@fepi.com.ar

Por la Diagonal del Arte Under

En el Teatro-Cine Diagonal, se llevó a cabo el Primer Ciclo de Arte Under. Nos reunimos con el organizador del evento, Víctor Clementi, quien nos contó sobre el arte under y como se organizó la exposición.

¿Cómo nace el término under?
Hubo muchos profetas de la cultura under, desde fines de los años 50. Surge así la generación beatny, en Estados Unidos, donde se destacaron: Allen Guinsberg, y el propio Bob Dylan, en sus comienzos, con canciones de protesta.

¿No deja de ser under si se muestra en forma masiva, este tipo de expresión artística?
Primero vamos a definir lo que es under. Under significa bajo, sub. Es una cultura de suburbios, lo cual antagonizaría con la cultura oficial. El under es algo más diferenciado. Obviamente, se puede tener publicidad; sí lo que haces es un buen producto porque lo vas a ocultar o porque puede quedar vencido ante un grupo. Siempre manteniendo la esencia. Además, generamos la opción que la gente acepte y conozca nuevas formas de interpretar la vida.

¿Cuál es el propósito de exponer en el Teatro-Cine Diagonal?
La idea surge de hacerse acá porque los organizadores del evento, tanto HB-Ruedas, como yo, quienes mantenemos un perfil un poco más oculto, tenemos gente amiga en el Diagonal y nos propusieron mostrar lo que hacemos.

¿Qué tipo de artistas participaron en el ciclo?
Contamos con dibujantes, fotógrafos, artistas plásticos, poetas y música acústica. La idea de todos nosotros es expresarnos libremente y mostrar de vez en cuando lo que hacemos.

¿Cuentan con algún tipo de ayuda?
No, ninguna. Por parte de los medios culturales ningún tipo de apoyo. Nosotros mismos pagamos todo y nos encargamos de difundir lo que hacemos.

¿Qué cantidad de artistas se presentaron?
No menos de 20 o 30, entre pintores, escritores, etc.

¿Cómo se van a distribuir las actividades?
El ciclo comenzó el 31 de octubre con la presentación del proyecto en el hall de Teatro Diagonal y el sábado 1º de noviembre se desarrolló la muestra en el hall de la Biblioteca, hasta el domingo en que nos despedimos, con una pequeña reflexión de lo acontecido.

Silvina Rodríguez